Game Sup, l’école Lyonnaise spécialisée des les métiers du jeu vidéo

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Le Game Artist et les métiers du Game Art

LE GAME ARTIST EST LE MAITRE D’ŒUVRE DU VISUEL DU JEU 

Du plus petit objet graphique aux décors gigantesques en passant par les personnages, les créatures ou encore les véhicules, le Game Artist est la personne qui élabore tous les visuels du jeu aussi bien en 2D qu’en 3D.

Il donne vie à ses créations artistiques par le dessin, la modélisation, le texturing et l’animation. Il travaille en étroite collaboration avec l’équipe de Game Design pour constituer une direction artistique pertinente, distinctive, en adéquation avec le concept.

Il élabore les concepts art. Il est capable de créer tout genre d’univers graphique et maîtrise les techniques créatives traditionnelles et numériques en 2D et 3D.

Savoir dessiner et faire de la 3D, c’est important ! Mais, pour le Game Artist, arriver à les inscrire et à les optimiser dans un moteur temps réel de jeu-vidéo en respectant une direction artistique, c’est capital !

Beaucoup de pratique, de nombreuses techniques à la fois différentes et complémentaires ainsi qu’une multitude de concepts 2D et 3D et la réalisation d’un large panel de projets sont nécessaires pour maîtriser le métier de Game Artist.

Le savoir-faire allié à la connaissance des outils spécialisés de l’industrie du jeu vidéo permet d’offrir aux joueurs des univers graphiques aboutis et pertinents.

EN SAVOIR PLUS SUR LE GAME ARTIST ET LES METIERS DU GAME ART

Il a fallu attendre les années 90 pour voir l’industrie du jeu vidéo proposer des jeux complexes en 3D. Complexe… pour l’époque ! Dans certains jeux vidéo, les personnages avaient environ 252 faces et 8 couleurs.

Les premiers Game Artists doivent composer avec seulement 8 ou 16 couleurs. Très vite, on arrive à des affichages pouvant supporter 256 couleurs, chiffre encore ridicule par rapport aux statistiques d’aujourd’hui. Mais les jeux vidéo avec 256 couleurs du début des années 90 prennent un véritable nouvel élan artistique.

Certains personnages de triple AAA des dernières années ont à eux seuls plus de faces et de couleurs que des dizaines de jeux de l’époque.

Vous l’aurez compris, le Game Artist ne travaille plus du tout de la même façon et les outils désormais mis à disposition sont beaucoup plus performants. Hier, les métiers du Game Art étaient déjà techniques ; ils le sont encore plus aujourd’hui.

Comme tous les métiers du jeu vidéo, les métiers du Game Art ont évolué en symbiose avec l’industrie vidéo ludique et les avancées technologiques.

Les Game Artists des premières productions de jeu vidéo n’utilisaient pas du tout les mêmes logiciels ni les mêmes méthodologies qu’aujourd’hui. Les Game Artists de l’époque étaient des personnes issues de formations d’écoles d’art classiques. Il n’existait pas encore de formations spécialisées pour préparer les artistes aux métiers du Game Art.

A l’époque, les savoir-faire étaient surtout centrés autour de la 2D. Des logiciels permettant de faire de la 3D comme 3D SMAX, Maya, Zbrush, Blebnder ou Substance Painter n’avaient pas encore vu le jour : on faisait du pixel art en utilisant des logiciels comme Deluxe Paint. Du côté de l’animation, les outils mis à disposition étaient sans commune mesure avec les logiciels actuels.

Les équipes de Game Artists sont aussi beaucoup plus conséquentes. Sur certaines productions, le pôle Game Art peut représenter plus de 200 artistes et largement plus pour certains des derniers triples AAA.

Pour les premières consoles de jeu très populaires comme la PS1, les contraintes techniques étaient draconiennes. La moindre texture prenait de la place sur le CD (oui, à l’époque les jeux étaient gravés sur CD dont la taille était d’environ 650 Mégas !). La taille des textures devait par conséquent être optimisée.

Les textures étaient travaillées en 64 * 64 ou 128 * 128. Aujourd’hui, un Game Artist en charge de la texture peut facilement faire des textures en 1024 * 1024 sans qu’on vienne lui reprocher de mal optimiser – bien sûr, tout ceci est relatif au projet. Par exemple, les productions faites en VR sont beaucoup plus gourmandes en optimisation et les assets graphiques doivent vraiment être optimisés. Aujourd’hui, les métiers du Game Art comprennent énormément de spécialisations. Certains de ces métiers étaient impensables dans les années 90 et 2000.

Le terme Game Artist englobe aujourd’hui un grand nombre de métiers.

Les métiers d’artistes dans le jeu vidéo vont du technicien à l’artiste pur et dur, avec toutes les nuances que cela implique. Être Game Artist aujourd’hui, c’est être Concept Artist, 3D Artist généraliste, Level Artist, Environment Artist, Technical Artist, Lighting Artist, Character Artist, Texture Artist, Rigger, Skinner, Animateur…

Si tous ces noms ne disent peut-être rien aux néophytes, ils représentent l’éventail de ce qu’offrent les métiers artistiques du jeu vidéo.

Etant tous liés les uns aux autres, chacun de ces métiers doit connaître et avoir conscience de celui des autres artistes. Et c’est peut-être là le plus important aujourd’hui lorsque l’on souhaite commencer des études dans les métiers artistiques du jeu. Une formation de Game Artist apporte les notions importantes de chacun de ces rôles afin de permettre aux élèves de choisir dans quel métier s’orienter dans le monde professionnel, tout en ayant des notions et des connaissances des autres métiers qui les entourent.

Par exemple, j’ai moi-même reçu une formation de Game Art, et je suis aujourd’hui Environment Artist 3D généraliste dans un studio de petite taille. C’est-à-dire que je suis à la fois Environment Artist, Modeleur 3D, Level Artist, Texture Artist, et un petit peu Technical Artist.

Plus précisément, cela signifie que je modélise en 3D les décors de jeu, ce qu’on appelle “l’environnement”, je les texture, et je les intègre dans le moteur de jeu. Mes quelques connaissances de “technical artist” correspondent au travail énorme que représente l’optimisation des ressources 3D afin que le jeu soit plus fluide, moins gourmand en performances, tout en restant le plus beau possible.

En tant qu’artiste 3D, je travaille parfois (pas toujours) à partir de concept arts. Ce sont des digital paintings créés par les concepts artists, en 2D, qui servent de référence à la modélisation 3D, à l’ambiance, à l’éclairage…

Mes connaissances acquises lors de ma formation de Game Art me permettent de travailler en équipe, avec des gens qui sont character artists (les personnages), riggers, animateurs, en ayant conscience de ce qu’est leur travail et des difficultés qu’il implique. Une formation de Game Art complète m’ayant appris tous ces métiers du jeu vidéo, j’ai pu choisir ce que je fais aujourd’hui, mais aussi m’essayer aux autres disciplines comme le digital painting ou l’animation 3D.

Une école de Game Art, c’est aussi la possibilité de travailler et d’apprendre avec d’autres, qui feront d’autres choix sur leur orientation professionnelle dans ce monde qu’est le jeu vidéo, qui auront aussi d’autres styles graphiques, d’autres compétences. Ainsi, c’est travailler dans un bouillon de passionnés des jeux vidéo et du Game Art, formés par des professionnels du jeu vidéo.

Une formation de Game Artist doit donc être complète, de la 2D à la 3D, du dessin au digital painting, du concept art à l’animation 3D.

En étroite collaboration avec les Game Designers, les Game Artists apprennent alors à travailler en équipe à l’école, à la manière d’un studio de jeu vidéo. Ils vont apporter l’œil artistique et les connaissances techniques pour passer d’un concept de jeu à un jeu vidéo aux graphismes intéressants.

C’est dans ces travaux en équipe que se découvrent les futurs Directeurs Artistiques. Souvent Concepts Artists, ils ont une vision artistique particulière, ainsi qu’une bonne culture vidéoludique, et ils sont capable de gérer une équipe artistique avec tact. Ils ont connaissance de ce que sont les métiers des autres, et savent par exemple que le lighting artist aura besoin d’une première version du niveau de jeu de la part du level designer et du level artist afin de commencer à travailler.

Nous vivons une belle époque pour les Game Artists. Les outils de graphisme d’aujourd’hui sont extrêmement puissants, les consoles de jeu et les ordinateurs aussi, et permettent de faire tomber beaucoup de barrières techniques. Ainsi, les artistes ont la possibilité de s’exprimer beaucoup plus profondément à travers les graphismes de leur jeu. Il suffit de jouer à des productions récentes pour s’en rendre compte. Les indépendants travaillant dans des petits studios de jeu vidéo (c’est mon cas) ont aujourd’hui la possibilité de côtoyer les jeux triple A en termes de qualité, grâce à des outils de plus en plus puissants.

Et c’est aussi le cas des écoles de jeu vidéo ! Les élèves en Game Art sont aujourd’hui formés sur ces outils récents, et ils arrivent sur le marché du travail avec une vraie formation des logiciels de graphisme les plus récents.

Lorsque l’on est artiste, créer et travailler dans le monde du jeu vidéo est donc possible de beaucoup de manières différentes. Je suis arrivé à l’école en pensant ne vouloir faire que la 2D, et devenir concept artist spécialisé dans les personnages. Cependant, lors de mes premiers cours de modélisation 3D, j’ai découvert quelque chose de complètement nouveau et différent. J’ai vite préféré les décors des jeux vidéo aux personnages, par goût personnel. Et cela a été possible seulement grâce à une formation de Game Artist touchant tous les corps de métier d’artistes dans le jeu vidéo.

J’ai ainsi vu des amis de mon école partir dans les domaines du concept art, de l’animation 3D, l’animation 2D, la création de personnages…

Être en école de Game Art, c’est aussi trouver son style en tant qu’artiste. C’est la possibilité d’expérimenter différents styles artistiques, différentes directions artistiques, et trouver celle qui nous conviendra le plus. Par exemple, on peut vouloir travailler comme animateur 2D pour des jeux oniriques à la direction artistique puissante, comme Ori & The Blind Forest, character artist pour créer des personnages dans un style cartoon fantasy façon World Of Warcraft, ou encore environment artist dans un style extrêmement réaliste du type Battlefield ou Red Dead Redemption.

Mais quel que soit le domaine artistique dans lequel on veut s’orienter lorsque l’on veut faire du jeu, la possibilité que l’on a aujourd’hui d’être formé en école d’art spécialisée dans le jeu vidéo – que n’avaient pas nos aînés, est extraordinaire. C’est la possibilité de passer 3 années dans des études qui nous passionnent, afin de découvrir et d’apprendre ce que c’est vraiment d’être un Game Artist.

Colin TISSOT

Parole d’ancien étudiant !

BRUNO

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Bruno est le créateur, président, directeur pédagogique de Game Sup…. Bon après, ce n’est pas parce qu’il a tous ces titres qu’il ne te parlera pas, bien au contraire. Bruno a à cœur d’échanger avec les élèves, c’est d’ailleurs avec lui que tu passeras ton entretien de candidature. C’est aussi lui qui organise ton planning avec l’aide de Guillaume, notre responsable section Game Design. A part ça, Bruno c’est un peu notre doyen, il a + de 20 ans d’expériences dans le jeu vidéo mais notre esprit créatif ne s’en arrête pas là car il a aussi créé un studio de jeu vidéo au sein même de Game Sup !

AURELIE

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Aurélie est la directrice de Game Sup. Avec l’aide de Mélanie, sa super assistante, c’est elle qui va gérer le suivi de ton dossier mais aussi les relations humaines avec les étudiant.e.s. Elle supporte également Bruno et sa non-appétence pour l’administratif ce qui mérite une médaille. Son bureau principal est situé à Debourg dans les classes prépas afin de mieux apprendre à te connaître dès que tu arrives à Game Sup. Elle passe aussi pas mal de temps au Bachelor à Confluence ce qui lui permet de continuer à voir tou.te.s les étudiant.e.s. Elle fait également le lien avec le BDE pour organiser des soirées à l’école ou des game jam.

Prise de RDV

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